2023展覽推薦｜全台美術館、博物館月份選展分享！

新的一年，你也準備好一起繼續看展了嗎？今年一樣會持續分享年度2023展覽合輯！每個月會分享女子有興趣或已看過的展覽推薦名單！

當代藝術展、藝術創作展、設計展、攝影展或插畫展等，不管你想看什麼類型的展覽，都可以來參考每月的展覽推薦名單！新一年網站內文與社群視覺也更換囉！期待今年看展的分享裡，仍有房客們的參與。

台北展覽 – 台北市立美術館《BODO》

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《BODO》展名受黃明川導演《寶島大夢》(1993)啟發，故事由藝術家在海軍陸戰隊的個人經驗出發，描寫主人翁身處遙遠外島，在熱帶叢林中男性世界裡的奇想、慾望、與殘暴，並藉由多線劇本探討所謂的「男人」，如何透過迷彩服與殺人工具步步操演成為社會真實。

《BODO》為一結合現地製作、互動科技與多頻道聲音的自動劇場。走進展間的觀眾身處大型現地裝置之中，聆聽每個角落不同的聲音地景，與環繞的多頻道聲音所描述之敘事。在此以偵測器與控制系統所構成的互動環境之中，觀眾所行走之路線、與路徑上的選擇都將影響故事之進行，在其中，觀眾不僅是被動觀看者，也猶如一場「角色扮演遊戲」中的參與者。

《BODO》

｜展期：2023/03/11 – 2023/06/04
｜時間：週二至週日 09:30 – 17:30，週六09:30 – 20:30（週一休館）
｜地點：台北市立美術館E、F展覽室
｜票價：普通票30元，優待、團體市民票15元，團體票21元
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台北展覽 – 關渡美術館《斷頭鬼之夢》

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《斷頭河計畫》（The Beheaded Stream Art Project）自2017年至今，持續通過各種形式的論述生產型態，關注「計劃型創作」（project-based art）中創作與研究實踐之間的關係。該計畫一方面以北台灣淺山地帶的原漢人群交界帶及地域社群作為連結、調查與文化實踐的場域，以影像、製圖與通靈等方式，關注不同歷史記憶及宇宙觀底下的非人之物；另一方面，則以學術場域的論述生產與研究發表機制作為田野地，以期刊、講述與研討會等形式，探索當代藝術計畫與學術領域的交匯之處，進行差異學科之間彼此如何扣連的想像與思辨。

本次展出呈現此計畫切入研究與知識生產的路徑。一方面以族群衝突歷史中因「獵首」而生的無頭鬼魅為引，使「靈」（ghosts）這一非思之物貫穿創作者的系列創／研實踐。試圖回應及反思「藝術研究」（artistic research）的在地現實知識經濟條件，在實踐上如何介入學術對於不可知的界限，並於其中偷渡關於超自然的事物，質疑論述形塑過程中的規範問題。

另一方面，從知識具有遷徙及橫貫性的角度——將淺山現地、研究領域與文本空間、展演場所——在「創作觀念的知識索引」與「推進論述的實作」相互為倚的關係基礎上，導向各種知識形式與藝術實踐之間可持續性的發展。（完整展覽介紹詳見官網）

《斷頭鬼之夢－梁廷毓個展》

｜展期：2023/03/31 – 2023/07/02
｜時間：10:00 – 17:00（週一休館）
｜地點：關渡美術館二、三樓展覽廳
｜票價：免票觀展
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台北展覽 – 忠泰美術館《亻─ 生而為人》

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人類應當反思現實。當我們剝除進步的假象，我們究竟是什麼？或者說，我們必須變成什麼，才能成為真正的人類？ ——安東尼．葛姆雷（Antony Gormley） 

在這個數位運算已逐步取代人腦、科技已然取代勞力的時代裡，此生註定終究一死，擁抱無可避免逐漸衰敗的肉身，生而為人，我們何以為人？何以自處？ 德國哲學家海德格（Martin Heidegger）在著作《存有與時間》中探詢人類生存的本質及境況，以「此在」（Dasein），意指為「人的存有」。Dasein其直譯意思為「存有在這裡」，更是人感應到自身與周遭的萬物連結的存在，那意識存在的主體。 

本展展題「亻」，以中文部首象徵，藉由際遇組合人所擁有的各種可能，同時以人的存有（Dasein），象徵「人」此時此地在世界中的存有狀態。本展試圖展開關於「人」存在於世界的多層思考與哲學辯證，集結11組國內外藝術家的創作，分別從「身體政治與禁錮」、「內在對話」、「群我關係的構築」、「不存在的存在」四個子題切入，重新詮釋思考「生而為人」的意義。

《亻─ 生而為人》

｜展期：2023-04-22 – 2023-07-30
｜時間：週二至週日10:00-18:00（週一休館）
｜地點：忠泰美術館（臺北市大安區市民大道三段178號）
｜票價：全票100元、優待票80元（學生、65歲以上長者、10人以上團體）；身心障礙者與其陪同者一名、12歲以下兒童免票（優待票及免票須出示相關證件）
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高雄展覽 – 高雄市立美術館《盪－吳瑪悧個展》

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從2020年開始，策展團隊便與高雄市立美術館共同策劃《盪－吳瑪悧個展》，歷經三年的細緻研究，團隊試圖從本次展覽中回應她與時俱進地自我養成及獨特的美學態度，不僅深入吳瑪悧個人多線的發展軌跡外，同時亦從她身處的時代以及所介入的機制來探討其中的影響力。

展覽的三個主要關注：

一、前衛異果－知識體系的解構：
受西方前衛思潮的訓練和啟發，在引進歐美藝術理論時，也回應台灣政治社會的變遷。以觀念藝術為基底的創作，隨著認識論的轉變，在創作方法上也對藝術系統進行反思，而逐漸從藝術家以自我為中心，跨入到公領域。 

二、超級瑪莉－從體制的對立批判到催化互融：
在抵抗與衝撞威／父權的年代，吳瑪悧跟隨著台灣婦女運動走過20多個年頭，她帶入「陰性思維」：包容、互為主體、合作、時間性與感受性的覺知，轉變為藝術介入社會的養分，逐漸形構出台灣「與社會交往的藝術」樣貌。

 三、資本主義廢墟中永續家園－生態與環境的合作網路／菌絲系統：
多年來作品中觸及的環境或生態議題，都是對於人何以「安居」的提問，而現在更關注被全球化資本主義影響下的破碎環境生態、社會關係以及藝術的新角色來反思，包括國族間、文化、甚至物種間如何共生共榮。 

值得一提的部分是，《盪》這次的展覽結合許多社會參與式藝術，包括：〈告訴我，你的夢想是什麼？〉、〈給下一輪太平盛世的備忘錄〉、〈重建一立方公分土地需要100年〉、〈盪2023〉、〈什麼叫味道—食物與遷徙的故事〉等。其中以民眾為核心的藝術發展，更是實踐了創作者闡述的「後博物館時代」，而這樣的「社會交往」也同時將展覽及整個呈現過程轉化為「液態美術館」的概念，創造出一種菌絲化的社會網絡。

此外整個展場的構成，在知識的、心靈的、精神的感受性外，更意圖敏銳化觀眾不同的身體覺知，嗅覺的、聽覺的、味覺的、肢體覺的。在展場遊移中，隨著視覺的轉換：平視的、仰望的、上下擺盪的、坐立書寫的、拾階而上而下的、俯瞰的…，視角轉換，感知世界也將隨之變幻。

《盪－吳瑪悧個展》

｜展期：2023/03/11 – 2023/07/02
｜時間：週二至週日，上午09:30至下午5:30 (週一、除夕休館) 
｜地點：高雄市立美術館
｜票價：全票90元，優惠票45元
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台北展覽 – 北師美術館《無法離開的人》

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北師美術館延續過往對臺灣歷史與藝術的高度關注，將於2023年5月6日至7月2日推出「無法離開的人」展覽，從陳芯宜導演《無法離開的人》VR作品出發，打造以VR沉浸式體驗為核心的跨界展覽。為擴延VR作品的體感經驗，美術館量身訂做特殊的觀影空間，邀請學者林傳凱規劃歷史文獻區，亦和藝術家王榆鈞、李佳泓、周書毅、海筆子大樂隊合作，藉由聲音、音樂、版畫、肢體、讀劇等多重形式轉化受難者的生命經驗與創傷書寫，並首次公開導演VR製作幕後細節，挑戰美術館以實體空間展呈虛擬實境的可能性。

《無法離開的人》

｜展期：2023/05/07 – 2023/07/02
｜時間：週二至週日10:00-18:00，週一休館
｜地點：MoNTUE北師美術館
｜票價：VR放映採募資預購劃位售票，其餘展區開放免費參觀。
募資預購售票頁

花蓮展覽 – 好地下藝術空間《沒有畫的繪本展》

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繪本，是我們生活中最親民價廉的藝術品，它不單純是輕薄短小的載體，也是藝術家呈現自我的另一個形式。提到繪本，多數人腦中浮現出的是各種不同風格的「圖畫」，而照片形式的繪本，通常讓人聯想到幼兒的寫實圖鑑。當然，攝影師與繪本創作者不願受制於如實的圖像傳遞，他們為攝影繪本賦予了故事性、藝術性及文學性。本次展覽書籍年齡層低自零歲的幼兒起，高則無上限；內容涵蓋紀實、童話、幻想、科學、哲學、詩，絕對超乎你的想像。

本次展出的繪本按照拍攝的主體可分為五大主題：
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1.高藝術性的攝影繪本：攝影集及攝影繪本最大的差異在於，繪本的敘事性及頁面之間的關連，而這類作品遊走於攝影集與繪本之間。有的主題明確，有的卻讓人摸不著頭緒。你是否能不藉由文字，感受到作者意圖傳達的訊息？有些書名則讓人摸不著頭緒。
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2.人像及人體攝影繪本：拍攝的人像從牙牙學語的嬰兒至行將就木的老人，有的是紀錄一個事件的始末，或者保留一段過往的時光，甚至是聚焦在人體的一部份，手、臉、腳。而這些照片搭配的文本類型不拘一格，不僅豐富了作品的可能性，也開拓了繪本的極限。
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3.物件攝影繪本： 在藝術領域中，靜物、雕塑或以物件為創作主題的作品並不罕見，但是在繪本中，物件當作主角時往往需要擬人化，才能進行敘事。而在攝影繪本中，攝影這個手法為作品在擬人化之外，挪出了更多彈性及可發揮的空間。

​4.自然攝影繪本：自然界的攝影繪本，也是一般人最容易想像的一種類別。藉由真實的照片，讓兒童認識生物與山川大地。正因如此，要做出讓而耳目一新且有趣的自然攝影繪本，可不是把照片加上圖說那麼簡單。
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5.攝影與混和媒材繪本：繪本天生就是一個多媒材聚合體，一本繪本中也不限於同一種媒材或表現方式。而攝影與混和媒材繪本則是將這種可能性發揮至極限。不論是先攝影再後製，或是同時進行，這類繪本永遠都能給我們帶來無法預料的驚喜。

《沒有畫的繪本展 － 浮光影藏七》

｜展期：2023/03/26 – 2023/05/01
｜時間：每周五、六、日、一 　12:00-20:00
｜地點：好地下藝術空間(花蓮市節約街37號B1)
｜票價：免票參觀
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台北展覽 – 松山文創園區《Ciao Ciao 瞧瞧－義大利童書展》

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義大利童書以其獨特的插畫和文學風格聞名，不僅在國內廣受歡迎，在世界各地都有許多愛好者。本次挑選35本來自義大利波隆那童書展的無字繪本，敘事內容多元、畫風各具特色，有經典改編的故事，也有新生代創作的作品。這些書籍共同的特點即是透過視覺元素來傳達故事和情感，用最少或沒有任何文字的圖像來敘事，充滿了詩意和幽默感，並且展示出兒童世界的多種面向。

本次展覽希望以繪本跨越不同文化和語言的藩籬，透過個人化的創作風格及視覺上的創意表達，鼓勵各位讀者打開視野，嘗試去理解或想像故事情節。孩子們也可以學著在書中的各種情境裡，推展出屬於自己的故事，或進入書裡，一起來~瞧瞧~這些精彩之作。

《Ciao Ciao 瞧瞧－義大利童書展》

｜展期：2023/03/23 – 2023/06/11
｜時間：10:00 – 18:00（週一休館）
｜地點：松山文創園區-製菸工廠 西向  不只是圖書館 Not Just Library   
｜票價：50元／40元（10人以上團體票）
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台北展覽 – 采泥藝術《真像的真相》

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楊北辰的具象雕塑設定了一個「元文本」，即將那些代表著西方文化與知識觀念的古籍看作創作的起點。作為信息的承載物，古籍在文化史上佔據著重要地位。它既是文化與知識的象徵，也在構建一個與歷史、思想、認知觀念有密切聯繫的上下文。時間成為作品觀念生效的一個重要來源。

對於楊北辰來說，時間的觀念化實質包含著兩個維度：一個是物理意義上的時間，即在簡單的規則下的不斷重復，一遍又一遍的打磨和上色所對時間的消耗。另一個維度是在人與物、手與心、勞作與身體性中體驗到的時間。而後者是一種觀念化的、抑或是可以哲學化的時間。在圖像化、數位化的時代，楊北辰堅定的捍衛著雕塑藝術的手工性、物質性與視覺性。

日復一日的勞作、手工性的不斷重復，楊北辰對創作方法的設定，目的在於賦予「再現」或「具象」以新的意義，那就是一種回應著數位時代的審美經驗—「超真實」。

《真像的真相－古籍全系列精選展》

｜展期：2023/03/11 – 2023/04/23
｜時間：10:30 –  19:00（週一休館）
｜地點：采泥藝術（台北市大直敬業一路128巷48號1樓）
｜票價：免票餐觀
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台北展覽 – 台北國際藝術村《壞坏》

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踩在泥濘的土壤上，意外發現土的可塑性，這可能就是人類使用土的起點。陶土製作的過程中，有許多動態產生，經過手去進行堆疊、擠壓、塑形，製造出器物、雕塑等等，所有的動態都會持續影響著陶瓷成形的樣貌，並透過高溫的燒製產生出陶瓷化的結果。

何謂壞掉的作品？土會呈現出每位創作者不同時期的狀態，即便創作者如何測試及規劃，壞卻在所難免，而所謂陶瓷的迷人之處就在於其不可預期的特性，意外，就是它最具獨特性的地方。

因為壞所以愛。壞坏，透過可見「壞」的樣態，去顯現這些不可見的經驗與知識，與此同時，當這些原先被隱沒的壞坏成為展覽主體，壞的過程便能在這個滿滿的大平台上產生交流，共創美好的未來（坏坏坏）。

《壞坏》

｜展期：2023/04/08 – 2023/05/14
｜時間：週二至週日 11:00－18:00
｜地點：台北國際藝術村
｜票價：免票參觀

台北展覽 – 奇想會Whimsy Works Gallery《WORKS #02》

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以抽象立體雕塑的陶器，作為主要創作的高橋美衣，最初在大學時期即在工藝學科學習手工製作家具與餐具，從那時開啟他對藝術的興趣，並開始製作如今展覽中的立體雕塑。觀察高橋美衣的作品，可以看到表面有著磨砂且粗糙的質感，同時也有著鮮豔的色彩，以及不對稱的形體樣貌。

而關於用色方面，高橋美衣提到：「顏色方面，我會特別選擇與展示空間契合的用色，並會考慮到形體所暗示的意象。」而所謂形體的意象，所指的是當作品形狀像花朵時，高橋美衣習慣選擇不常見的顏色，刻意的避免觀者直接聯想到花朵，為的是讓作品更具抽象與難以捉摸的特質。

對於高橋美衣來說，創作過程裡最觸動他的部分，也正是為陶器增添漸層色的時刻，他是這麼說的：「在讓作品產生顏色的時刻，往往會有一種超乎想像的美麗與有趣，這讓我深深體會到色彩組合的豐富多樣性。」

此外，比起顏色，其實高橋美衣更在意形體的輪廓，他在創作時所挑選的用色，其實都是為了能更傳神的表現作品的形狀與外觀，而這些陶器誕生的背後，全是來自高橋美衣對於世界的感知與即興。

「當選擇顏色時，我會考慮視覺效果，例如顏色的相容性，但在建造形體時，我盡量不去想太多，重要的是感覺與即興性」——高橋美衣

高橋美衣 個展《WORKS #02 》

｜展期：2023/04/07 – 2023/04/23
｜時間：13:00 至 20:00（週二公休
｜地點：奇想會 Whimsy Works Ga llery (台北市大安區安和路一段21巷7號）
｜票價：入場費為低消飲品一杯
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台北展覽 – 靠邊走藝術空間《漫漫林間》

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沿著天然的蜿蜒羊腸小徑和茂密的芒花海，經過林間的瀑布和危險的大崩壁，從闊葉林轉變成針葉林，欣賞黃昏的箭竹草原和清晨的霧氣繚繞。透過漫步感受細微的林相變化和豐富的氣味，那是原始而沉靜、舒適而療癒的，是放下一切日常後，喚醒我們與大自然的連結。不管是從自己的家山出發或是遠行到高山，我們可以輕易看到山林萬千的姿態，攀上奇萊南華的無邊曠野、登玉山的氣勢磅礡、松羅湖的如夢似幻和抹茶山的暖心可愛等地都值得我們體驗。

從小家裡務農，一到寒暑假就會居住在梨山。因此，森林對我來說就像家一樣親切，大自然也是我一直持續的重要創作元素。尤其是近年來因疫情導致生活狀態的改變，時間、空間都受到限制的我們，大自然更成為我的舒適圈，從中遊走並反思出更多靈感來源。台灣面積雖小，但橫跨了亞熱帶與熱帶，地勢起伏，高山林立，垂直高差接近4000公尺擁有多樣化的林相。

本次創作以森林為概念，將樹擬人化為「巡山者」的角色，用釉料構造出森林的萬化及生活的體驗。平面繪畫則用故事的方式抒寫，分享自身的內心世界與現況。最後，誠摯地邀請各位朋友一起走入展場，漫漫探索陶藝的溫暖和繪畫的絮語，希望可以在大家心中種下一棵樹，從心得到自癒。也別忘了經常去森林散步，找到屬於自己的家樹。

《漫漫林間 浮游人個展》

｜展期：2023/03/25 – 2023/04/16
｜時間：週二-週五:14:00-21:00，週六:13:00-21:00，週日:13:00-20:00（週一公休）
｜地點：靠邊走藝術空間（台北市萬華區西寧南路72-1號4F）
｜票價：免票參觀
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｜台南展覽 – 陸角銀《Bloom And Fly：八館ななこ創作個展》

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《Bloom And Fly》是YASHIRO Nanaco首次來台舉辦的個展，以「綻放」與「飛翔」的概念來傳達從日本飛越海洋來到台灣的意象，八館ななこ的作品以壓倒性的華麗感和嫻熟的色彩表現，呈現出夢境般華美的世界觀。作者以候鳥和蝴蝶為展覽主題的發想，同時也希望傳達從日本飛越海洋來到台灣的意象，將本次展覽命名為《Bloom And Fly》，本次的展品大多是為了台灣的首展所全新繪製的新作，歡迎來到陸角銀Sixpence Gallery欣賞原畫才看得到的筆觸與質感的魅力。

｜台北展覽 – 一嶼《春之際－ 木與陶類群展》

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春之際，以「際」中，含前後交會之時， 與邊際亦或無涯的題旨， 探索七位創作者與媒材遞進出的層次細節， 匯集在島嶼之上，落下泥水漿土。似春天的枝枒晚生，待至齊放；也似山川大地， 蓄養嫩草的逐步青翠。

在陶土爐燒釉料，流轉更迭的氣候裡，也有木頭內斂的起伏波紋。創作者將呈現如土地孕育生命般，廣袤其心意滋長的作品，在春天隱含著萬物重啟甦醒的意念下，如未來待放的花火，散落在春暖花開之際。

｜台北展覽 – 回到大地 – 春之歌《cafe BOMBOM》

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2023年第二場展覽，我們邀請了來自香港的 dodolulu ，用她輕輕淡淡色澤來替春天揭開序幕。dodolulu 即將在展覽透過作品來分享疫情期間的心境改變，現場有珍貴的原畫展出外也會帶來精彩的畫冊作品與經典商品。展覽主要描述疫症三年中我面對這種入侵內心的掙扎，以及迎來即將復常內心的盼望。創作目的在於抒情，遊走在畫面建構和顏色關係之間。

｜作者簡介｜ Dodolulu
dodolulu，香港插畫師，被生活點滴啟發而創作，畫生活的喜與悲。曾接受本地及海外媒體的個人專訪，包括 Metro Pop, HK01, RTHK, NeoCha (中國), dpi設計插畫誌(台灣)和China Underground (意大利)等。作品曾於法國藝術沙龍、香港文化博物館及上海寶龍美術館展出。2016年創立了同名品牌，以插畫紙品為基本，漸漸衍生出不同的生活單品，dodolulu希望把自己畫畫過程尋找的那種美好，透過物件與人分享。合作品牌包括誠品書店、Pandora、Kiehl’s、Dalloyau及Pinkoi 等。

｜台北展覽 – san galerie《鹵貓 – 春天在耳邊的輕聲細語》

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鹵貓Oamul曾為2018台北插畫藝術節擔任評審的鹵貓，不僅跨界為聯合國郵局設計《Education First》主題郵票，更參與Louis Vuitton、Chanel、Apple、Lamer等各大國際知名品牌合作，前年和去年也於廈門寶龍藝術中心和深圳光明文化藝術中心美術館，舉辦「我和我」個人畫展，為期將近三個月和展出超過100件代表作品。

透過自身到處旅行和生活中大自然緊密的連結，在創作上保有筆觸的純粹與豐富情感，因此無論是街道上變幻的四季，工作室一角的植物光景，都能在他的畫筆下感受到他對大地生命的熱情。

展覽現場也邀請到台灣植物風格師 Yuty為 san galerie 展覽空間點綴及開設專屬 workshop，兩人對自然花卉皆有著不可言語的情懷，在自由的世界裡梳理環境、植物和自我的關係，藉 由Yuty為鹵貓Oamul展覽所揀選的花草，帶領大家感受畫中一景一物。

｜台北展覽 – 奇想會 Whimsy Works Gallery《內緒の話》

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奇想會 Whimsy Works Gallery全新展覽《內緒の話》與日本藝術經紀單位「STA Artist」合作，一同帶來日本藝術家「細川成美」的首次在台個展。細川成美透過日系油彩畫風呈現出各種女孩的人像之美，並結合歌德式異國元素，散發屬於細川成美的獨特美感。

｜台北展覽 – 寶藏巖國際藝術村《「天選之人」— 2023寶藏巖光節》

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被時光幾番摩娑的寶藏巖聚落，彷彿「劇場」般坐落於高密度人口聚集地，具有座標般的偉岸山體，卻因其封閉的特性，散發著非常世的未知與神秘，蓊鬱的綠是一抹難以忽視的邀請。劇場般的寶藏巖，千階萬轉、迷花倚石，在每一個狹縫彷彿都埋藏著等待開採的故事。人們一旦願意依循心中的好奇，走進劇場，深入聚落，便有機會參與故事創作；那是一座連結真實人生，卻又充滿夢想、冒險與英雄寄託的舞台。
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文本已經備好，旅程即將展開！2023寶藏巖光節「天選之人」，以逆命般的微笑姿態，搭配經久不敗的編劇公式「英雄旅程」12階段，鋪展成為一條直探秘境的甬道。12位各領風騷的藝術家，接受冒險的召喚，對應英雄歷程中的12個階段，在寶藏巖的12個展演空間，依據12組關鍵字及劇情，以接龍的邏輯，佐以靈性的暗合與未知的呼喚，共同發展/聯想一個動人的故事。

本展嘗試以表演藝術製作中「單一目的，多人協作」的工作模式，統合、黏著、挑戰視覺藝術家擅長的「單一命題，各自表述」之藝術美學，彼此碰撞，共同搬演一齣有別於過去利用表演者推動劇情發展的戲碼，提供一種具有「起、承、轉、合」線性觀賞方式，號召觀眾擔任各式英雄，在寶藏巖踏上挑戰自我的旅途。

｜台北展覽 – 台北當代藝術館《超出建築——田中央＋七位藝術家 聯展》

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本展展出七位藝術家從各自出發，通過不同路徑、在不同的時空脈絡中，與田中央建築相遇、協作、甚而碰撞的多種圖景。邀請觀者通過凝視去思考，在當代世界中，何謂建築？建築的目的為何？

我們今天所習用的「建築」，是在日治時期被引進臺灣的，有著殖民現代化的語境。在19世紀下半葉明治維新時，日本翻譯architecture為「建築」；而architecture在西方，是古希臘時期被開始使用，那時認為建築為藝術之首，建築師為諸種技藝者的領導者和整合者。二千年來，這個從製作角度被發明的語詞，幾次地被復興，成為西方建築專業界試圖在其內部維持的神聖認知。而在殖民現代化的語境中，類似的專業及其認知在臺灣被建立起來。

然而，對於非建築專業的尋常人來說，建築是個生活物件；而且就跟許多人生活中的人造物件一樣，這些人造物件不僅具有使用上的物質意義，它們也表達我們，甚至會塑造我們。從象徵的角度來看，生活物件擁有被多種闡釋的可能，同一個生活物件，對於不同的人能傳達不同的意義；反過來説，同一意義對於不同的人們，可以用不ㄌ同的物件以多種方式獲得象徵。

由此看來，沒有中性的建築，人們對建築的理解和認識，並不存在統一性的、單一或唯一的意義。因此，建築並非僅由建築專業界所能定義，architecture代表的是一種專業的神話。（完整展訊詳見官網）

｜桃園展覽 – 橫山書法藝術館《2023橫山書藝雙年展：法與無法交織的年代─書法作為一種視覺形式》

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桃園市立美術館首屆橫山書藝雙年展，於2023年1月20日至4月24日在橫山書法藝術館展出「法與無法交織的年代－書法作為一種視覺形式」，聚焦「書法」於當代藝術中的影響和發展，試圖帶動當代書法藝術後續發展新量能。

書藝館致力於書法藝術發展，透過多元文化觀點積極地參與亞洲乃至全球書法藝術網絡。本展邀請東海大學美術系助理教授吳超然擔任策展人，偕同橫山書法藝術館陳俋佐督導擔任機構策展人，以共同策劃模式，展開對於書藝雙年展各種可能性與想像。透過雙年展以不同角度思考書法藝術，並深度討論、剖析書藝於現當代藝術發展中的定位。

本展邀集多國42名書法家和藝術家，共同呈獻全球當代書藝的多樣面貌，並探究書法藝術的未來與可能。其中包括西方抽象藝術與書法如何互相刺激與借鏡，以及臺灣戰後名家對於書法形式和內容流變中的沉澱和省思。邀集歐洲、臺灣、中國大陸、日本和韓國青壯輩的書藝家，各自用書藝創作對當代世界提出他們的思考及創發，呈現當代書藝多元並行的生猛活力。不僅希望能夠鋪陳一個藝術史的討論脈絡，更希望能夠透過展出不同類型的作品，來豐富眾人對於書法的未來想像。（完整展訊詳見官網）

｜台北展覽 – 台灣燈會《光源台北》

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光源台北，是台灣燈會源起台北，是希望之光照亮整座城市，是多元文化豐富這片土地，『台北』本身即是主角，匯聚希望的巨大光球冉冉升空，綻放出溫暖和煦的光芒，當象徵希望與突破的光芒灑落，渲染整座城市並延續這份美好。

台北是一座永不設限、勇於創新、帶給人們希望的城市，循著那道光來到這座閃耀的台北，看見兔子的身影穿梭在整個燈會，跟著他的腳步在展區間追逐乘載希望的燈飾作品、捕捉精彩可期的特色展演，感受作品帶來的奇幻驚喜。台灣燈會為台北帶來不ㄧ樣的火花，因為有希望，所以努力創造；因為不設限，所以光芒四射；因為敢突破，所以台北就是未來！

中央展區｜國父紀念館園區內及市府前廣場
光展區｜東區商圈
源展區｜松山文創園區
未來展區｜信義商圈
十二行政燈區｜台北市十二個政燈區

｜台北展覽 – 台北當代藝術館《流．感- 王仲堃個展》

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展名「流．感」有意與時事流感呼應，也有看不見的意義，卻更加深刻地無法忽視它的存在。

過往創作總不那麼直接的反映時事，總有可經過咀嚼消化後在靈感迸發時的即興，但這三年生活型態的轉變，在漸漸習以為常的慣性下，不得不與它展開對話。對話的觀點即創造了許多捕風捉影的機巧機械，再返回物件自身受到外力不定的擺盪著，屬於它自身的姿態。

近年創作，多圍繞在一些微不足道的力量出發，也正是那些孱弱的氣力，重新撐起了一連串的思考。雖然看起來好似不重要，平淡如生活，卻有著一點一滴緩慢變化中的狀態。

隨風起舞的姿態，並以聲音展開對話。（更多詳細展訊詳見官網）

｜台北展覽 – 台北流行音樂中心《想你到月球｜張雨生特展 FLY ME TO THE MOON & BACK》

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張雨生短暫絢爛的一生創作出許多膾炙人口的作品，其音樂創作風格多變，故有「音樂魔術師」之稱，在第28屆金曲獎獲頒「特別貢獻獎」，被廣泛認為是台灣華語樂壇史上最優秀的歌手之一，更跨越世代，影響了華語樂壇許多不同領域的創作者。

特展主題「想你到月球｜FLY ME TO THE MOON & BACK」結合「天天想你」與「帶我去月球」兩首經典歌曲的意念，不但傳唱不休，並擁有時間與空間兩種向度的想像維度。2022年適逢張雨生逝世25週年，展覽藉由一場漫步太空的體驗，跟著太空人張雨生參與一場太空登月計畫。

展場幻化為從地球前往月球的音樂旅程，除了透過田野、訪調與研究，讓觀展民眾除了認識與了解張雨生的個人魅力與音樂成就，也同時回歸流行音樂的創作與聆聽本質，結合五組當代音樂人參與張雨生音樂創作特別企劃，重新詮釋張雨生的音樂，拉近世代距離，再次挖掘「音樂」的本質魅力，挟帶音樂創作的能量，穿越時光，想你到月球。

｜台北展覽 – 台北市立美術館《未來身體：超自然雕塑》

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「未來身體：超自然雕塑」展探討人類世時代裡人體的未來。生物基因在未來科技發展之下，人類得以對所有生物，如大自然、動物及人類，進行存在性修正。身體在未來將會是什麼型態？我們將會是「誰」或者是「什麼」？而我們又將生活在什麼樣環境之中？

展覽透過超寫實與寫實雕塑作品，針對上述疑問，提出可能的解決答案。這些具有前瞻性的作品不僅應證了數位演進和基因工程在「後人類」和環境上的影響，同時也說明這些混合性創作，是如何日漸模糊自然、科學與文化之間的界線。

創新的科技對於現代雕塑影響甚鉅，藝術家透過3D 列印技術完善製作過程，將雕塑創作界線擴展至機器人和生物合成技術層面，藝術家藉此打開人工製品、生物和科技上擴展新設計的可能性。

本次展覽共分為「混種人」、「後自然」、「藝術家4.0」、「科技 人類 變體」四大主題，分別探討混種生命體、基因轉殖生物、未來人類與機器人、科技對生活的影響等議題。

｜台北展覽 – 臺灣博物館本館《水怪－水棲爬行動物化石展》

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儘管大航海時代距今已有600多年之久，但現今的航海技術與下潛能力，仍只能窺探到大海的一小部分。究竟水下還有哪些不為人知的生物存在？恐龍稱霸於陸地的時期，曾有過許多龐然大物橫行於遼闊的水中，究竟牠們是何方神聖？歡迎來到《水怪─水棲爬行動物化石展》一探究竟。

本展覽以時光機潛水艇造景意象，引領觀眾穿越時空，回到史前世界尋找遠古水怪，探訪水棲爬行動物家族。從認識「海爬大家族」談起，認識牠們的來歷，接著從「蜥鰭類群」、「海龍類群」、「鱗龍類群」、「魚龍類群」認識多樣形態的水棲爬行動物家族，以及其適應環境的演變，並由「生殖策略」、「趨同演化」和相關研究等單元了解其起源、演化的奧秘。（更多詳細展訊詳見官網）

｜台北展覽 – 伊日藝術計畫《王冠蓁 Wang Guan-Jhen：幽靈說 Breathing Ghost》

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藝術家王冠蓁自2014年至2022年間的繪畫創作，以2020年為創作的轉折，此前主要以壓克力彩為媒材，之後則開始使用油彩進行創作。除了平面繪畫之外，也有從繪畫發展而來的空間裝置與畫布草圖集，涵蓋多樣的藝術形式。並在描繪人物、景物的型態上，呈顯出獨特的繪畫意識及意涵。

「幽靈說」（Breathing Ghost）一展，雖以「幽靈」為名，但她的繪畫並不是對妖精、鬼魅的描摹，也不是奇異題材、內容的搜羅；而是對藝術家而言，繪畫始終具有一種難以窺見的面貌，甚至是無可言說的複雜感知。

｜台北展覽 – 台北國際藝術村《「在陰影之外」－文化平權計畫聯展》

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「陰影」產生是為一種物理現象，當光線照射無法穿透的物體後產生黑暗，黑暗雖隱身其後並與光源方向相反，但無法忽視的存在卻也充滿力量。明暗兩端，是否僅限於二元討論，光直進且無差別的供應這個世界，但為何外形輪廓卻因人而異，影子的大小取決於距離，當光源距離物體越遠時，黑暗面越小，當觀者距離未知越近時，是否代表我們更易於覺察隱藏其中的真實，或是更期待忽略。

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台北國際藝術村自2021年發起「文化平權徵件計畫」，陸續探索罕見疾病、樂齡長照、外籍移工等「文化近用」相關議題。而本次展覽共有四組藝術家參與，包括簡詩翰、江昱呈、賴冠源與左撇子工場，分別針對審美、障礙、語言及性別這四個面向進行討論。（更多展訊詳見官網）

｜台北展覽 – 意識畫廊《『塔羅斯 篇章初見』唐唐 個展》

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意識畫廊 2023 年的首次展覽將推出唐唐以機器人型為創作主軸的全新作品，這系列作品從2018年開始出現，不斷在唐唐腦海中演變，別於2016年個展『我們，記憶的想念』，是對過去不曾逝去時光記憶的喚醒，『塔羅斯 篇章初見』是關於未來記憶的設定，希臘神話中金屬巨人的塔羅斯，在一次戰役中流光神族的血而死，未來被有著模擬人類思想的晶片重啟而甦醒，人性漸漸深植塔羅斯體內，於是機器與人再也無法分離。19世紀人工智慧只是科幻小說與神話中的虛構情節，二十世紀機器人也只是電影中的虛擬3D影像，而今我們卻已置身其中，當時作者對未來的想像可說不是想像，而是對未來記憶的擷取。

此次展出作品中，唐唐靈感多來自古典雕刻、動畫以及電影中那些令唐唐深深著迷的元素，他將這種奇異的感受化為實際的形體，呈現如文學、電影與動畫的奇幻感，將「機器」、「人」的意象，透過拆解再重塑成科技與人的形體，其似有若無的情緒轉化，呈現亦古亦今的文明「神話」與「傳說」。

｜台南展覽 – 國立台灣文學館《成為人以外的－台灣動物文學特展》

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如果可以選擇，成為人以外的，你想成為哪一種動物? 是擁有深藍色翅膀的飛魚，是低調但孔武有力的黑熊，還是從鄉間田土倏然起飛的白翎鷥？每一種動物都有屬於牠們的生命故事，這些由人類挺身代言的文學篇章，你可能從未聞見，更可能讓你驚心動魄。

你是否願意靜下心來，聆聽牠們的神秘之心？或是單純好奇，動物與人類最後是不是像童話故事裡說的那樣，從此過著幸福美滿的生活？動物，在人類文學作品裡，從未缺席。蘊含各式動物圖騰形象、生活寫照、互動情感，甚至擬人化的動物文學，都映照出人與「人以外的」，各種糾結及關照。

本展將透過神話、詩歌、小說、散文、童話等動物文學，以大型情境藝術裝置、動態捕捉互動技術，期待成為人類向動物學習謙卑的起點，讓我們想著，如何為了人以外的，成為更好的自己。

｜台中展覽 – 國立自然科學博物館《科畫博物》

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「刻畫入微」常用來形容文章或繪畫的描摹深入生動，而早期的科學繪圖原創作，正式以木塊雕刻製版、印刷，以做為科普傳播的重要視覺元素與媒介。這次以科學繪圖為主題的「科畫博物」特展，正式取「刻」畫與「科」畫諧音，展現其雙重意涵。

特展跨越時間與空間維度，展示了17世紀以來博物學古典圖繪，科博館30多年來在各學域的科學繪圖應用，即當代繪師創作等多樣豐富的作品，藉由上百幅繪圖，呈現科學繪圖的重要性與應用的廣泛、多元。特展也從第三特展室，擴展串聯科學繪圖掩飾櫥窗、陽光過道，邀請觀眾一同領「繪」科學之美。

｜台北展覽 – 台北當代藝術館《主題樂園幻想工程挑戰賽》

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1955年，華特迪士尼（Walt Disney）創建了第一座現代化主題樂園──迪士尼樂園。所謂主題樂園，就是園中從空間安排、場景轉換、動線規劃、視聽影音至角色活動都集中表現一個或幾個特定的主題故事。這種風格化的情境塑造，來自於有功能目的的跨媒介空間敘事，統合地提供一個沉浸式的幻境給每位來訪的遊園客，像一層平行的膜覆蓋於真實空間之上，改造了幻境與真實空間之間的種種關係連結與意義指涉。

主題樂園的範本模式，在全球複製文化的推波助瀾、數位媒介的沉浸式體驗與娛樂勞動的發展下，有了往各個領域滲透且日益增長擴大的各式複製版本。它常是一個高度商業化且具高度控制性的空間，能不斷地自我繁殖且廣受市民所喜愛。有主題式的餐廳、飯店及購物中心，也可在歷史遺跡保存、美術館及博物館等空間中見到。主題樂園在情境塑造動作之中，含括著設定的劇本，及遊園者被預期的遊歷經驗及各種預設動作。（詳細展訊詳見官網）

｜高雄展覽 – 高雄市立美術館《minä perhonen/皆川明 つづく》

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「minä perhonen」為日本設計師皆川明所創立的品牌，「至少延續百年」是皆川明創立品牌的初衷。此次展覽以「TSUZUKU（日語：つづく）」作為命題，也有著「延續」之意，除代表品牌在時間軸的延續性，更令人聯想到連續、攜手、循環等人事物所共同產生的連結。不盲目追逐流行的minä perhonen，透過設計與喜悅的串連，在日本引領起「特別的日常服」潮流，其貼近人們生活及溫度的品牌理念，更是獲得世界各地的喜愛與好評。

皆川明是日本當代設計大師關鍵人物之一，在國際時尚設計界更有獨樹一格的特別地位。他在1995年成立了自己的品牌「minä」，正是現在minä perhonen的前身，懷抱著「打造至少延續百年的品牌」的想法，希望即使創始設計師不在，品牌也能永續發展；此外「minä」一詞在芬蘭語中代表「我」，而「perhonen」則有著「蝴蝶」之意，品牌服飾中使用許多豐富多元的花紋布料，就像蝴蝶翅膀多變的紋路一般美不勝收。

在日本頗受歡迎的《minä perhonen／皆川明 つづく》展覽，除了是2019東京都現代美術館重新開館的首展外，也在兵庫縣立美術館、福岡市美術館及青森縣立美術館巡迴展出，預計將在今年10月首度移展海外台灣，為高雄帶來《つづく》展的精彩內容。

為求完美呈現，本展同時也邀請日本知名平面設計師葛西薰（Kaoru Kasai）擔任主視覺設計，建築師田根剛（Tsuyoshi Tane）依據高美館場域規劃8大主題空間，完整展現「minä perhonen」發展至今的脈絡。展覽內容除展示品牌的經典布料、時裝、家飾等設計模型，更有設計師的插畫手稿、設計原稿、錄像以及文獻檔案等展品，讓台灣觀眾能從中一探設計大師皆川明及「minä perhonen」團隊的創作精髓。

｜高雄展覽 – 國立科學工藝博物館《潛行探索臺灣－水下文化資產特展》

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本次展覽結合水下考古與陸域遺跡，將各時代航路與留下的多元遺產呈現在觀眾面前，讓觀眾從歷史脈絡認識水下文化資產，並融入海洋教育及海洋文化、大航海時代海洋歷史、在地海洋人文特色等內容，以呈現出不同風貌的全新展覽，認識水下文資原來與我們的日常生活息息相關。

展覽運用多媒體展示科技，搭配手機通訊軟體提供一套實境解謎遊戲，輔助展覽內容，讓民眾的參觀經驗更加豐富多樣。展覽共分為「水下時空隧道」、「認識水下文化資產​」、「臺灣海洋考古之旅」、「東西洋交會下的臺灣風貌」與「永續與推廣」等五大展區，向觀眾傳遞水下文化資產的重要性，喚起國人一起守護臺灣的水下文化資產。

｜台北展覽 – 世界宗教博物館《生死晝夜》

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生命是永恆的，愛是不朽的。而死亡，則不過如同黑暗與白晝的一個分界線罷了。——肯內斯．克拉瑪 《宗教的死亡藝術》人一方面在宗教的生死觀實踐意義；另一方面又以理性逐步將死亡隔絕在生活之外，並以科技，追求不再有死亡的理想世界。但我們也必須回問，死亡是生命的苦痛？還是展開意義人生的必要？

在這個疫情與戰爭改變許多人生命的時刻，我們不妨跟隨前人的腳步行進，透過一場未知的旅程，去想像死後世界的種種可能，如果生命的結束是另一場探索旅程的開始，那麼迎接我們的會是什麼？「生死晝夜」特展正是一趟關於生命的體驗之旅，我們誠摯邀請觀眾一同在知識與體驗的沈浸中想像生與死，這不僅是一趟穿越死亡的旅途，更是在此刻的陰霾中面向新生的契機。

｜台中展覽 – 國立臺灣美術館《畫筆下的真實—李梅樹120歲藝術紀念展》

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終其一生藝術踐履始終秉持一貫的信念與執著，堅持以寫實主義的風格關注描繪臺灣土地、人民的李梅樹（1902-1983），出生於三峽（舊稱三角湧，1920年改為現名），1910年進入三角湧公學校接受西式教育，1918年考入臺灣總督府國語學校師範部就讀，1928年赴日求學，翌年進入日本東京美術學校（現東京藝術大學美術學部）西洋畫科，師事長原孝太郎、小林萬吾、岡田三郎助等外光派畫家，奠定其後寫實風格的深厚根基。

李梅樹自1927年第一回「臺灣美術展覽會」（簡稱臺展）入選後，即積極參與臺灣與日本的官辦展覽，連連入選16回臺展、府展，或獲得「特選」、「總督賞」的殊榮，並於1939年入選日本第三回「新文展」及1940年「紀元二千六百年奉祝美術展覽會」。此外，熱心參與畫會，包括日本的「光風會」及臺灣的「赤島社」與「臺陽美術協會」，戰後並擔任全省美展評審評議委員等，展現對藝術創作與參與美術活動的熱誠。